LOS PRÓXIMOS: GINA KUSCHKE, MING YING Y LILY MACRAE

Durante el último par de semanas, el mundo del arte de Londres volvió a la vida con una explosión con el regreso de Frieze London & Frieze Masters, la exposición de Verano de RA (celebrada por primera vez en el otoño), casas de subastas llenas de ventas y algunas exposiciones independientes brillantes como Varvara Roza Galleries & The Blender Galleries ‘Mythos’, LUAP ‘The Unconscious Therapy’ y una exposición colectiva de mujeres en Soho Revue gallery.

El director de la galería Soho Revue India Rose y el fundador y curador de Purslane, Charlie Siddick, han comisariado una cautivadora exposición grupal de jóvenes artistas llamada ‘Thesmophoria’, inspirada en un Antiguo ritual griego exclusivo para mujeres. El festival de la antigua Grecia se celebró en honor de la diosa Deméter y su hija Perséfone, y fue uno de los más celebrados en la Antigua Grecia, con los ritos practicados durante ella guardados en secreto.

Los próximos artistas Gina Kuschke, Ming Ying y Lily McRae crearon trabajo para’Thesmophoria’. Los 3 son pintores que parece ser evidencia de una especie de Renacimiento de la pintura entre la nueva generación de estrellas emergentes del mundo del arte. Lily Macrae, graduada del Edinburgh College of Art, ha expuesto en la Royal Scottish Academy, y sus pinturas dramáticas en’ Thesmorphia ‘ se inspiran en películas de culto y Viejos Maestros y contienen escorzos hábiles y claroscuros que evocan a Caravaggio. Las pinturas de Ming Ying utilizan una paleta de verdes y rojos en su mayoría, colores que se utilizan a menudo en las películas de terror, con la psicología del color de las películas citando al rojo como representante de la ira, la pasión, la rabia y el deseo, y el verde como representante de la curación, el alivio y la perseverancia. Las pinturas de Ming Ying para ‘Thesmorphia’ tienen una calidad de sueño surrealista que recuerda a una pintura de Toulouse-Lautrec de una noche de libertinaje impregnada de absenta. Ming Ying se graduó en 2020 del Royal College of Art con una maestría, y en esta etapa temprana de su carrera ya ha expuesto en la Galería Saatchi y en Nueva York y Shanghai.

Gina Kuschke es una artista autodidacta de origen sudafricano que estudió historia del arte en el Courtauld Institute of Art. Se mudó de Sudáfrica después del apartheid a una edad temprana, pero sus recuerdos de la infancia del país todavía aparecen en su arte. Sus coloridas pinturas de flores están llenas de vida y expresan un amor por las propiedades viscerales de la pintura como medio.

Entrevisté a estos talentosos jóvenes artistas sobre su práctica artística y si finalmente se está corrigiendo el desequilibrio histórico de género entre hombres y mujeres artistas. Kuschke dice: «Históricamente, un mundo dominado por hombres colocó a las mujeres en una posición de inferioridad por su «alteridad», lo que resultó en que las mujeres se redujeran continuamente a musa, bruja o anomalía.»Lea las entrevistas aquí:

Lee Sharrock: ¿Cuál fue el camino que tomó para convertirse en artista, y puede dar un breve resumen de su trabajo y el significado detrás de él?

Gina Kuschke: Me convertí en artista por accidente. Nunca tuve la intención de convertirme en un artista visual a tiempo completo – esto no era algo que pensaba que fuera posible, a pesar de que cada momento libre desde que era un niño lo pasé haciendo cosas – arte, música, todo – desarrollándome hacia algún tipo de carrera creativa. Después de mudarnos al Reino Unido, solicité la beca de arte a mi escuela deseada y, para mi sorpresa, la obtuve. Hice mi primera venta de arte en mi último año de escuela, del tríptico más grande que he creado hasta la fecha. Fui a estudiar una Licenciatura en Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art, equilibrando el estudio mientras firmaba un contrato discográfico, haciendo música a tiempo completo. Usé parte del dinero que gané de la música para alquilar un estudio de arte para mí en Hackney Wick, del que todavía trabajo hoy.

Entonces empecé como un artista autodidacta, haciendo trabajo tan a menudo como sea posible y se centró en la conexión

con una red de artistas y curadores para comenzar a navegar mi camino hacia ser un artista profesional. Mi trabajo cuestiona la relación entre yo, espacio y lugar. Explorando haber nacido en la Sudáfrica post-apartheid y mudarme al Reino Unido, junto con los traumas que experimenté como niño y adulto, espero encontrar respuestas sobre la pertenencia a través de la creación de marcas viscerales y vívidas explosiones de color.

Reutilizando y reviviendo mis experiencias más transformadoras y personales en mi trabajo, los simples recuerdos de la infancia de la vida cotidiana en Sudáfrica están manchados por traumas que confesionalmente y sin vergüenza vierten en el trabajo. Una combinación de erupciones de impasto de color y marcas ingenuas basadas en líneas figurativas, con impulsos agresivos de garabatos de carbón sobre lienzo crudo, juegan esta purga performativa en la búsqueda de respuestas.

¿Cuál es la historia detrás de su obra de arte presentada en la exposición colectiva en Soho Revue, y hizo el trabajo específicamente para la exposición en respuesta al mito griego del tema?

Tres de mis obras aparecen en la exposición Soho Revue x Purslane; «Te veo en todo», «Realmente no sé a dónde vamos» y «Pero los lirios todavía florecen». Todos estos trabajos fueron creados durante la pandemia. Nunca tengo una intención solidificada detrás de la obra antes de hacerla; es extremadamente instintiva y permito que el lienzo me diga lo que quiere. En una expulsión en trance, solo me doy cuenta después de que la obra está hecha lo que realmente está siendo representado. «Te veo en todo» discute llevar una memoria definitoria a través de todo, aunque representada por un ramo de flores en flor, colorido, exótico y muy vivo, la obra es una oda a este recuerdo que no disminuye ninguna luz o vida. «Realmente no sé a dónde vamos» es una imagen de llevar el peso de todas las cargas sobre mis hombros, aunque muestra a aquellos que se quedan atrás, con la esperanza de avanzar hacia un futuro libre de desorden mental y ansiedad. Finalmente, «But Lilies still Bloom» yuxtapone la imagen de los lirios creciendo entre la tierra explorando la nostalgia de las cosas hermosas que crecen de las duras condiciones.

Este es un show de mujeres. ¿Por qué crees que las mujeres han estado históricamente tan subrepresentadas en museos y galerías, y a menudo han sido relegadas al papel de musa cuando eran artistas por derecho propio (ver Frida Kahlo y Lee Miller como ejemplos)? ¿Y crees que este desequilibrio está cambiando con tu generación de artistas?

Las mujeres han estado subrepresentadas punto y aparte – esto no es exclusivo de la historia del arte. Históricamente, un mundo dominado por los hombres colocó a las mujeres en una posición de inferioridad por su «alteridad», lo que resultó en que las mujeres se redujeran continuamente a musa, bruja o anomalía. Definitivamente creo que estamos viviendo en un momento en el que estamos viendo los inicios de la discusión de un movimiento hacia un cambio en el equilibrio entre mujeres y hombres, sin embargo, no creo que el cambio sea lo suficientemente poderoso todavía. El espacio de arte se siente mucho más abierto y disponible para las artistas femeninas como una perspectiva seria, aunque todavía escuchamos de muy pocas artistas femeninas conocidas que cambien la cultura. Una razón para ello es que las instituciones siguen siendo administradas en su mayoría por hombres. Creo que el cambio real solo sucederá realmente una vez que una nueva generación de mujeres pueda sentarse en esos asientos del poder y comenzar la discusión de una manera totalmente diferente. Esto está en acción y es un momento emocionante para ser una joven artista trabajadora, siendo parte de ayudar a este cambio en el equilibrio para las generaciones futuras.

¿Puedes contarme un poco sobre tu práctica artística, tus inspiraciones y los materiales que utilizas?

El trabajo es totalmente intuitivo e impulsivo, con poca o ninguna planificación antes de comenzar, siempre trabajando a gran escala y empujando fuera de mi zona de confort. Permito que mi instinto conduzca cada aspecto de lo que es un trabajo muy confesional y siempre trato de aprovechar un lugar donde el lienzo me dice lo que quiere. Si no soy capaz de alcanzar este estado de liberarme de todo pensamiento consciente antes de crear la obra, no intentaré pintar. Utilizo principalmente lienzo crudo y aceites, con las adiciones de otros materiales como carbón y lápiz corriendo a través del trabajo también. Actualmente estoy explorando empujar mi trabajo fuera de estos límites hacia espacios más poco convencionales. La música y el baile me inspiran a trabajar, ya que me ayudan a acceder a lugares de otra manera difíciles de alcanzar, mi estudio actuando como mi iglesia y escenario – siempre tengo música a todo volumen, algo de espacio abierto para tocar y para diversión extra, vino tinto.

¿Cuál fue el camino que tomó para convertirse en artista, y puede dar un breve resumen de su trabajo y el significado detrás de él?

Lily Macrae: nunca planeó el camino para ser honesto, siempre fue lo que más me gustaba y tenía un montón de creatividad en mi casa creciendo. Siempre me animaron a seguirlo a pesar de que era bastante poco confiable en algunos puntos. Visité el Edinburgh College of art degree show cada año que pude y luego terminé estudiando allí y desde entonces he estado trabajando desde mi estudio en Glasgow en un almacén justo al lado del río Clyde.

El núcleo de mi práctica, tanto conceptualmente como en términos de proceso, es explorar ese espacio entre el pasado y el presente; y mi trabajo siempre ha estado arraigado en la pintura. Hago obras a gran escala que se sitúan en algún lugar entre la figuración y la abstracción y heredan narrativas y a menudo se apropian tanto de motivos como de elementos compositivos de pinturas de antiguos Maestros. Es el poder, el gesto, la luz y la narración en estas obras principalmente barrocas lo que me atrae. Quiero jugar con las intenciones tradicionales de esta imaginería y lo que significa en la esfera contemporánea.

¿Cuál es la historia detrás de su obra de arte presentada en la exposición colectiva en Soho Revue, y hizo el trabajo específicamente para la exposición en respuesta al mito griego del tema?

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